Examen Plastica

Tenemos que hacer un examen con un cuadro, yo quiero hacer el siguiente cuadro:

Mujeres en el baño

Hacía 1960 Roy Lichtenstein y algunos de sus coetáneos iniciaron el movimiento pop, alejándose del expresionismo abstracto hasta ahora imperante. Ante un mundo cambiante, tendente al capitalismo y al consumo, Roy se percató del gran abanico de posibilidades que abría este nuevo panorama. Usando como inspiración los nuevos anuncios, los carteles, y demás objetos cotidianos, como base intrínseca de su arte. Estos nuevos horizontes son transformados por Lichtenstein a través de las técnicas utilizadas en los cómics, tan de moda en estos momentos. Partiendo de la técnica de puntos Benday, una nueva formula utilizada en Norteamérica para realizar cómics, Roy compone sus obras a modo de grandes viñetas, donde sus imágenes y personajes se situaban ante un espacio desvirtuado y puro, lejos de los sentimientos subjetivos. Debemos de tener en cuenta que este artista nacido en 1923 tenia una formación artística obtenida por sus numerosos trabajos como dibujante y grafista industrial. Cuando en los años 60 aparece el cómic, se abre ante Roy un nuevo horizonte cargado de novedosos métodos y formas de diseño. Al principio tomaba sus modelos de pequeñas imágenes o viñetas de cómic que aparecían en los envoltorios de los chicles. Ya en los años 60 su atención se centró en los nuevos anuncios comerciales producidos en masa.

 

 

CUADRO:

Spray

Hoy hemos hecho el cuadro de Roy Lichtenstein que era de un Spray.

La obra del importante artista pop del siglo XX Roy Lichtenstein proviene directamente de las páginas de las novelas de ficción barata y de los libros de cómic. Lichtenstein (1923–1997), que trabajó primeramente como profesor de universidad, se inspiraba en artistas que retrataban la vida diaria. Antes de dedicarse a pintar los iconos de la cultura americana pintaba escenas semi-abstractas del viejo oeste. Posteriormente produjo escenas de cómics impresas mediante un proceso que reproduce el punteado característico de los libros de cómics. En otros trabajos, Lichtenstein exploró las contradicciones de las tres dimensiones representadas en superficies planas. 

CUADRO:

Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein

----------------------------

Nombre completo:

Roy Lichtenstein

Nacionalidad:

Estadounidense

Disciplinas:

Pintura, escultura

Movimiento / Escuela / Grupo:

Arte pop

Edad:

Nueva York, 27 de octubre de 1923 - 29 de septiembre de 1997 (74 años)


INFORMACIÓN:


Roy Lichtenstein se cría en una familia de clase media-alta en Manhattan.
Su educación artística formal comienza en 1940 cuando al finalizar la educación la educación secundaria se inscribe en las clases de verano del Art Students League of New York.
Continúa su formación en la Universidad Estatal de Ohio hasta que en 1943 se une al ejército para servir en la Segunda Guerra Mundial.

A su vuelta a la universidad tres años más tarde obtiene una licenciatura y un máster en Bellas Artes, en 1946 y 1949 respectivamente, entra en el programa de postgrado y es contratado como profesor de arte.
También en 1949 contrae matrimonio con su primera esposa Isabel Wilson.
En 1951 se organiza la primera exposición individual de Roy Lichtenstein en la Carlebach Gallery en Nueva York con unas obras entre el Cubismo y el Expresionismo.
Ese mismo año se muda con su esposa a Cleveland por un periodo de seis años en el que nacen sus dos hijos.
 Lichtenstein retorna a Nueva York en 1957 para enseñar diseño industrial en la Universidad del Estado de Nueva York en Oswego.
 Se adhiere al Expresionismo Abstracto.

Tres años más tarde imparte clases en Rutgers, la Universidad Estatal de Nueva Jersey.
 Con el nuevo entorno su estilo vuelve a cambiar y crea en 1961 sus primeras obras de Arte Pop.
Entre ellas es especialmente decisiva en su carrera Look Mickey (1961) por ser la primera en la que usa el estilo que a partir de entonces se iba a convertir en su sello de identidad: las figuras bien deliniadas y los puntos Ben-Day.

                       EJEMPLO DE CUADRO:

Arte Contemporáneo

                                                            EL ARTE CONTEMPORÁNEO
 

El término arte contemporáneo ha sido utilizado para designar genéricamente el arte y la arquitectura realizados durante el S. XX. El cuestionamiento de los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del S. XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del S XX. Esta revolución estética no depende de los arbitrios de una generación de artistas, ya que estos no hacen más que traducir las concepciones intelectuales y sociales de un momento histórico. Por tanto, son los cambios filosóficos, científicos y políticos los que exigen del arte una forma diferente de afrontar la realidad.
A finales del S. XIX y principios del S. XX Europa vivía en una situación caracterizada por la inestabilidad social, la rivalidad económica y política entre las distintas naciones, que desemboca en la Primera Guerra Mundial, y una fecunda productividad en el ámbito científico e intelectual. En ello el arte se vio afectado y empezaron a surgir múltiples corrientes que se denominaron "ismos", eran las diferentes rupturas con los modelos de belleza dominantes en la época. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre sí. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico, hasta la II Guerra Mundial tienen lugar las primeras vanguardias artísticas o vanguardias históricas, mientras que pasada la guerra aparecen las segundas vanguardias y el postmodernismo.

 Las raíces del arte contemporáneo las encontramos a finales del S. XIX. El Impresionismo y el Postimpresionismo constituyen un punto de partida para las corrientes del S. XX. Dentro de las vanguardias históricas, las más destacadas fueron el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo. Todas tienen una serie de elementos comunes en su ideología, pero no en lo estilístico. Existe una conciencia de grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan reflejado en sus respectivos manifiestos. Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El deseo de novedad los lleva a experimentar con el color, las formas y la composición.

5 Cuadros de Van Gogh

La Noche Estrellada de Van Gogh

 La Noche Estrellada representa el pueblo de Arles en una noche estrellada. A Van Gogh le gustaba siempre estar en contacto directo con aquello que pintaba, con la realidad natural, pero pensaba que incluso le iba a ser difícil pintar un cielo nocturno. Decidió pintarlo en su estudio e ideó un sistema un tanto extravagante: puso velas fijadas a su sombrero y de esta manera consiguió la primera vista nocturna al aire libre de la historia. El resultado es todo menos realista, pero su imaginación lo convirtió en un acontecimiento cósmico: un cielo iluminado por cometas que giran creando unos remolinos de luz y un pueblo de esta manera sumergido en una atmósfera sobrenatural. Una línea de montañas cruza de lado a lado el lienzo. Las pinceladas redondas de los astros aparecen de nuevo en los árboles de la superficie y el largo tejado en punta del campanario de la iglesia va en paralelo con el ciprés que aparece en primer plano. En una de las cartas que Vincent escribe a su hermano Theo, le dice que los cipreses son como grandes obeliscos. Durante la primavera del año 1889, Vicent utiliza la misma gama de colores: amarillo, azul y morado, mostrando el estado de euforia en el que se encontraba el artista.

Los Girasoles De Van Gogh

Vincent van Gogh: Los girasoles

Un entendimiento breve de las pinturas de los girasoles

Hay piezas de arte que van sin rumbo a través de galerías alrededor del mundo que son sinónimos con los nombres y las técnicas de los artistas que las crean. Las varias pinturas de los girasoles de Vincent van Gogh son ejemplos perfectos. No sólo puede hacer una conexión mental entre el nombre del artista y la pintura pero también entre el artista y su influencia en el desarrollo de arte a través de estas pinturas. Las pinturas de los girasoles de Vincent van Gogh han sido duplicadas muchos tiempos por varios artistas (aunque sin la vivacidad y intensidad de Van Gogh) y expuestas en todas partes; de las casas a las exposiciones de arte.

Cuando uno mira a estas pinturas, empieza a notar los aspectos que parecen fluir de una pieza a la otra. Los colores son vibrantes y expresan emociones que son asociadas con la vida de los girasoles: amarillos brillos del flor a morenos áridos de mustio y muerte; todas las etapas son presentadas. Quizás esta técnica sea lo que atrae a alguien a la pintura; el cumplimiento de mirar a todos los ángulos del espectro de la vida y, de uno en uno, llega más profundo a un entendimiento de cómo son conectadas todas las cosas vivientes.

Hay muchas piezas en esta serie de pinturas (cada es claramente identificable como una obra de Van Gogh) en el cual hay solamente diferencias menores que las separan. El diseño general de la pintura con la posición de los girasoles reales permanece usualmente el mismo en las pinturas similares. Usted puede ver las áreas destacadas entre las dos pinturas similares de los girasoles más abajo.

La Habitación De Van Gogh

Vincent van Gogh: El dormitorio del artista en Arlés 1888. 72,7 x 91,8 cm. Oleo sobre lienzo. Rijksmuseum Vincent van Gogh, Amsterdam.

Van Gogh escribió a su hermano Theo: "Esta vez se trata únicamente de mi habitación; sólo que aquí el color ha de serlo todo, y su simplificación, que da una mayor grandiosidad a las cosas, pretende evocar el descanso o el sueño en general. En una palabra, al mirar el cuadro debería reposar la mente, o más bien la imaginación".

Muchos objetos del cuarto están emparejados: dos sillas, dos almohadas, dos jarras y dos botellas. La primera versión de este cuadro es anterior a la ansiado llegada de Gauguin, por lo que la duplicación podría entenderse como el deseo de van Gogh de disfrutar de una amistad que el destino le negó siempre.

La silla de su cuarto era en realidad de madera clara. Aquí la pinta amarilla por razones simbólicas: el amarillo es el color de la luz del sol, la calidez y la felicidad. Aunque creía en la pintura tomada directamente del natural, Van Gogh transponía o intensificaba constantemente los colores.

El naranja, el amarillo de cromo y el de cadmio mezclados con el blanco, se encuentran en la base de la gama de amarillos que se asocian con su período de Arlés. Su deseo de basar el uso de los colores en principios científicos, le lleva a usar pares de colores complementarios, naranja-azul, violeta-amarillo, verde-rojo. Incluso llega a sugerir a su hermano Theo el color del marco: blanco. Según su teoría, el blanco equilibra a los complementarios y atenúa los efectos violentos del color. Así vemos el blanco en la superficie del espejo. Sabemos por sus cartas que las paredes de la habitación estaban blanqueadas con cal y que el suelo era de baldosa roja; sin embargo, él exagera los colores o los cambia arbitrariamente: inventa un nuevo cromatismo que los fauvistas llevarán al extremo.

Pinceladas negras envuelven a los objetos y delimitan los espacios, dando la sensación de que están llenos de color.

Las sillas, la mesa y la cama, están delimitadas por pinceladas que denotan la pesadez de la madera. Llena la superficie con pinceladas continuas siguiendo las vetas horizontales y verticales de la madera, iluminando el asiento en forma de estrella de las sillas de paja, siguiendo la dirección de los listones verticales de las ventanas.

El modelo de las sillas nos sirve de modelo para estudiar la obra. La altura de su asiento es de unos 42 cm. El ancho de la habitación entre las dos puertas representa 7 veces este módulo, es decir, 2,95 m; la anchura de la cama corresponde a 2,5 veces el módulo, lo que da 1,5 m.

Observando la cabecera de la cama, comprobamos que su extremo derecho está muy alejado del rincón mientras que el izquierdo está muy cerca de la percha. De idéntica manera, las patas de atrás de la mesita son equidistantes de la pared, y la mesa parece estar dispuesta oblicuamente a la pared. Sabemos, por referencias a otras obras y por algún plano de la casa amarilla donde vivía van Gogh que las paredes del fondo formaban un ángulo de 120 grados: de ahí la distribución de los muebles. El espacio de este interior, sin embargo, no queda claro ya que van Gogh ha suprimido las sombras.

La ventana está entreabierta hacia dentro, lo que implica accesibilidad al mundo exterior; pero es significativo que no se distinga nada por fuera. La habitación parece así bastarse a sí misma El espacio que se abre en torno a la cama evita que el cuadro resulte en exceso claustrofóbico.

La pintura está aplicada en capas espesas en las que cada pincelada resulta claramente visible. Van Gogh utilizaba las pinturas directamente del tubo y pintaba con rapidez, llegando a veces a terminar un cuadro en un solo día. Gastaba muchísima pintura y constantemente le pedía a su hermano Theo que le enviara materiales desde París. La habitación tenía el piso de ladrillo rojo, y en la primera versión de la obra es de un rosa oscuro. En la versión de París, el piso, de color marrón, confiere al cuadro un carácter más sombrío que revela es estado de ánimo del pintor. Convierte en azul-violeta el blanco de la pared, creando así armonías de color con los verdes, como se aprecia en la ventana, y contrastes con el amarillo de la cama y las sillas. Era consciente del impacto emocional del color. "En vez de reproducir exactamente lo que tengo ante mis ojos, me valgo del color con arbitrariedad para así expresarme de forma más convincente". El rojo intenso del cubrecama aviva el tono del lienzo.

Fue uno de los primeros pintores que acusaron la influencia de los grabados japoneses, muy difundidos por entonces en Europa. Admiraba de ellos la sencillez del dibujo, los espacios planos de color, las pronunciadas perspectivas y la ausencia de sombras.

Bibliografía

Bailey, Martin (1995), Vincent van Gogh : cartas desde Provenza. Barcelona. Ediciones Paidós Ibérica. Col: Cartas ilustradas, 4.
Calvo Serraller, Francisco, "Centenario de la muerte de Vicent van Gogh (1853-1890)" en Claves de la razón práctica 6 (1990) pp. 62-64.
Cumming, R. (1997), Guía visual de pintura y arquitectura. Madrid. Ed. El País/Santillana.
Rewald, J. (1982), El postimpresionismo. Madrid. Alianza ed. Col. Alianza Forma 31
Schapiro, M. (1988), El arte moderno. Madrid. Alianza ed. Col Alianza Forma 73

Rinoceronte

Ficha rápida Negro Blanco Donde vive En zonas del centro y sur de África. En ciertas zonas del centro y sur de África Alimentación herbívoro herbívoro Costumbres Se alimentan por la noche o en las horas del atardecer. Debido al calor africano, suelen tumbarse en la sombra. Características Mide entre 1.5 y 2 metros; pesa entre 800 y 1400 kg. Mide entre 3,5 y 4,5 metros; pesa entre 1440 y 3600 kg.

Ambos tipos de rinocerontes, tanto el blanco como el negro, actualmente son de color gris. No se diferencian tanto por el color, pero si pueden diferenciarse por la forma del labio. El rinoceronte negro tiene un labio superior puntiagudo, mientras que el rinoceronte blanco lo tiene más cuadrado. El porqué de esta diferencia se debe a la dieta alimentaria que llevan. Los rinocerontes negros utilizan sus labios para arrancar de los arboles y arbustos su alimento, mientras que el blanco se alimenta de hierva del suelo, con lo que solo tiene que agachar la cabeza.

FOTO DEL RINOCERONTE:

La Última Etapa de Pablo Ruiz Picasso

                                                LA ÚLTIMA ETAPA DE PICASSO

En torno a 1907 se desarrolla la llamada "época negra", donde toman protagonismo una serie de manifestaciones culturales procedentes de África Negra.
Picasso, con la decisión de interpretar el arte de las culturas primitivas, afrontando los problemas de la representación espacial de las formas. Estas influencias, junto con otras románticas e ibéricas, originan la creación de una obra maestra "Les Demoiselles d´Avignon" (Las señoritas de Avignon), que supondrá el punto de partida del Cubismo.

La importante exposición de Cezanne de 1907 resulta decisiva para Picasso. Cezanne reduce los objetos a volúmenes primarios, pero generalmente curvos (conos, cilindros...), mientras Picasso y Braque, unidos ya por una profunda amistad, prefieren los de artistas completamente rectilíneas: cubos, pirámides...

En 1909 el pintor viaja a España, donde pinta retratos y paisajes en los que comienza a perfilarse el Cubismo Analítico: un exhaustivo análisis y descomposición en planos del elemento representado. Dos años más tarde conoce a Marcel Humbert, con quien iniciará una nueva relación; juntos se transladan a la casa del bulevar Rapasil. Picasso participa en exposiciones colectivas en Berlín, Arnsterdam y Nueva York.

ESTA ES UNA DE SUS PINTURAS:

La Época Rosa de Pablo Ruiz Picasso

 

Autorretrato con paleta, 1906.

En 1906, Picasso consigue vender la mayoría de sus cuadros "rosa" a un mismo comprador, y, por primera vez, puede disfrutar de una posición económica desahogada. Ese mismo año visita a sus padres en Barcelona, acompañado de su amante Fernande. Después, ambos parten a Lérida, donde el artista pinta El aseo, y Autorretrato con paleta, dando fin a el Periodo Rosa, que abrirá el camino hacia ciclo por el que Picasso ha sido mundialmente reconocido y a uno de los periodos más importantes de la Historia del Arte.

La época Azul de Pablo Ruiz Picasso

Hay muchas mas pinturas como estas de la época azul del siglo XX.

Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo  CarlosCasagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza.²⁰ Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas,²¹ cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, de El Greco.22

Pablo Ruiz Picasso

Pablo Picasso
Foto de Pablo Picasso (enero de 1962).
Nombre completo	Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso
Nacimiento	25 de octubre de 1881 Málaga (Andalucía), España
Fallecimiento	8 de Abril de 1973 (91 años) Mougins, Francia
Nacionalidad	Español
Área	Pintura, dibujo y escultura
Firma